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Diccionario sonoro que recoge los nombres, historias y lugares protagonistas de la emocionante aventura que representa la música contemporánea desde su creación a la actualidad. Más información: march.es/contemporanea
Terry Riley
Compositor (Colfax, California, 24 de junio de 1935).
“Vivíamos en Colfax, una región montañosa de California, y la radio era mi único vínculo con el mundo exterior”, recuerda. “Escuchaba canciones de finales de los cuarenta e inicios de los cincuenta, la mayoría ‘standards’. Eso marcó mi gusto por las melodías”.
Más adelante van a captar su atención las ideas de John Cage, los experimentos de su contemporáneo y posterior mentor La Monte Young, las improvisaciones del jazz. Terry Riley cursa estudios musicales en la Universidad y en el Conservatorio de San Francisco. Después gana un premio de composición en Berkeley.
Pero su influencia más importante va a ser su profesor de canto clásico del norte de la India Pandit Pran Nath, también maestro de La Monte Young y Marian Zazeela. “Fue el mejor maestro de ese tipo de música y uno de los mejores maestros que tuve; nos enseñó a sus alumnos a encontrar nuestra propia forma de relacionarnos con lo hindú”, contará años más tarde. Preguntado por esta cultura espiritual y lo sonoro, dirá que “principalmente existe una creencia religiosa que vincula una nota musical con el movimiento rotatorio del universo”.
Este es el mundo sonoro de Terry Riley…
Principios de los años 60. Bajo inspiración de Young y sus experimentos performáticos, Riley compone su ‘Concierto para dos pianos y cinco magnetófonos’ regido por la exigencia a los intérpretes de introducir los más diversos objetos –incluso una persona– dentro de los instrumentos. Del mismo 1960 es el primer ‘Cuarteto para cuerdas’, obra “estática” formada por larguísimos acordes de do sostenido. Buen preludio para su obra más famosa, capitalizada por esa nota. Enseguida hablamos de ella.
En 1961 compone el ‘Trío para cuerdas’ donde introduce por primera vez una estructura basada en la repetición de motivos musicales. No es la única novedad: el experimento crece con la introducción de sonidos registrados en cinta magnética. Sonidos opuestos, intercalados, recurrentes.
La curiosidad de Riley por la cinta y sus posibilidades de experimentación le lleva a hacer equipo con Pauline Oliveros y Steve Reich en el San Francisco Tape Music Center, fundado en 1962 por el compositor estadounidense Morton Subotnick y el artista español Ramón Sender. Riley juega con los intervalos constantes de fragmentos musicales pregrabados, manipula las velocidades de las grabadoras electrónicas. En estos años también viaja a Europa, lo que le permite un contacto con la música concreta que amplía aún más sus horizontes.
En estos años determinantes, Riley contacta con Richard Maxfield, uno de los fundadores de Fluxus. Su colaboración –que propicia La Monte Young— se materializa en los ‘happenings’ y el Action Theatre de Ken Dewey y Anna Halprin, para los que compone el collage ‘Mescalin Mix’ (de 1960 a 1962) y ‘Music for The Gift’ (de 1963).
En esta pieza utiliza dos magnetófonos para “duplicar” ‘So What’, tema jazzístico de Miles Davis interpretado por el cuarteto de Chet Baker, logrando un artefacto de capas sonoras que, sensible a la manipulación de las velocidades de reproducción, desfigura la pieza de un modo muy interesante. Riley lo denomina ‘time-lag accumulation technique’, [algo así como ‘técnica de acumulación de desfase temporal’].
“Grabé a todo el grupo de Chet por separado”, rememora el de Colfax. “Después les hice grabar juntos, pero lo importante fue que tuve la posibilidad de experimentar con las cintas para reconstruir la canción”. “Tenía dos Ampex”, cuenta, “y mandaba la cinta de uno al cabezal del otro; de ese modo, mientras un grabador reproducía una cinta, el otro la estaba registrando para después reproducirla con segundos de retraso. Era bastante engorroso”.
Los experimentos junto a La Monte Young prosiguen en el Theatre of Eternal Music de este último, donde Riley aporta teclado y voz en las interminables sesiones del proyecto ‘Dream House’. Son tiempos de obras como ‘Autumn Leaves’ para piano, saxofón y magnetófono, y ‘Bird of Paradise’, ambas de 1964. Pero esos trabajos van a quedar opacados por su gran obra, que llega a finales de ese mismo año. Se trata, claro, de ‘In C’ [En Do], una de las obras más influyentes del minimalismo, pero también de la música norteamericana del siglo XX.
Inspirado en la experimentación con el desfase, la superposición y la repetición de sonidos grabados, Riley estructura la música de esta obra semi-aleatoria en 53 módulos separados de aproximadamente un compás cada uno, con un patrón musical diferente, en el que cada intérprete puede repetir libremente sobre un pulso constante la nota Do. Su primera interpretación está a cargo de Steve Reich, Jon Gibson, Pauline Oliveros y Morton Subotnick entre otros músicos. Cada una de las interpretaciones posteriores es diferente. Como dice el compositor, “una sola nota contiene un grado de repetición infinito”. Que suene ahora este fragmento de ‘In C’.